Nace "Wallrod", Galeria y Espacio de Arte.

02/10/2009 18:43:59

Wallrod

El 2 de Octubre, se inaugura la galería de arte Wallrod, en Carlos Calvo 3619 (Boedo) a las 20 hs.

Wallrod es un espacio de arte donde se juega a disfrutar de los sentidos en todas sus expresiones.  Artistas visuales, escultores, actores, fotografos, escritores disponen del lugar para expresar sus emociones.

Te invitamos a compartir la experiencia. No te vas a arrepentir.

http://wallrod.wordpress.com/

Los esperamos en la inauguración!

Ruben Quiroga Cerdat
Leonardo Pecorelli
Ezequiel Demaestri

 

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El Atril

28/09/2009 23:38:52

El atril es una herramienta fundamental para el Artista Plástico / Pintor, junto con sus pinturas, el lienzo (bastidor) y los pinceles.

Se utiliza generalmente para soportar el lienzo o el libro grande de bocetos de un pintor, mientras el artista está trabajando; o para exhibir una pintura terminada para la exposición. La forma más simple de caballete de un artista, un trípode, consiste en tres postes verticales unidos en un extremo. Un mecanismo que gira permite que el poste central se aleje de los otros dos, formando un trípode. Los dos postes que no giran tienen una pieza horizontal sobre la que se pone el lienzo. Un modelo similar sirve para sostener una pizarra, una pantalla de proyección, un cartel, etc. Un caballete puede ser de altura total, diseñado para mantenerse por sí mismo en el piso. Los caballetes se construyen habitualmente de madera, de aluminio o acero.

Hay dos diseños comunes para los Atriles:

Los caballetes de trípode (o de "tres patas") se basan en tres patas. Las variaciones incluyen barras transversales para hacer la base más estable y un mecanismo independiente para permitir el ajuste vertical del plano de trabajo sin sacrificar la estabilidad de las tres piernas de la base.

Los caballetes Verticales se basan en ángulos rectos. Todos los postes son generalmente paralelos a la base del caballete que es rectangular. La porción principal del caballete consiste en dos postes verticales con la ayuda horizontal de una barra transversal, dando así lugar a la forma general de una H. Las variaciones incluyen adiciones que permiten que la verticualidad del caballete sea ajustada. Son los más estables y permiten una regulación máxima en altura.

Los caballetes de sobremesa. Apropiados para pintar sentados, suelen ser modelos medianos o pequeños. Estos últimos sirven también de atril para exponer las obras.

Hay tres usos comunes para los caballetes:

Los caballetes de estudio se utilizan en el estudio del artista con la necesidad parcial del caballete de ser portátil. Los caballetes de estudio pueden ser simples en diseño o muy complejos incluyendo tornos, mástiles múltiples y ruedas. Los caballetes más grandes son caballetes de estudio con capacidad para apoyar pesos superiores a 200 libras y paneles más altos de 7 pies.

Los caballetes de campaña son portátiles y se utilizan para la creación del trabajo al aire libre (véase plenairismo). Estos caballete son clasificados generalmente como medianos o pequeños, tienen patas telescópicas o plegables y se basan en el diseño del trípode. Las cajas caballete con patas incluyen un compartimento en el cual almacenar convenientemente obras de arte junto con una manija o correas para poder llevar la caja francesa como un maletín.

Los caballetes de exposición sirven para la exhibición de trabajos acabados. Estos caballetes tienden a ser muy simples en diseño con menos preocupación por la estabilidad que necesita un artista para el trabajo. Los caballetes de exhibición pueden variar de tamaño y robustez dependiendo del peso y del tamaño del objeto que se va a colocar sobre ellos.

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El Dibujo

12/09/2009 10:23:44

El dibujo suele hacerse a lápiz, tiza o gis, carboncillo, tinta, punta de metal, pluma, o lápiz, o combinando algunos de estos materiales. Es una representación gráfica sobre una superficie, generalmente plana, por medio de líneas y tintas o sombras, de objetos reales o imaginarios o de formas puramente abstractas.

La delineación de la forma sienta las bases de todas las artes visuales (incluso la escultura), por lo que el dibujo es una de las ramas más importantes de estudio en las escuelas de arte y arquitectura, así como en las de ingeniería. No obstante, este artículo se refiere al dibujo libre, en comparación con el dibujo técnico, el dibujo práctico y el dibujo industrial.

Dibujo libre

El dibujo de los objetos visibles consiste esencialmente en el registro de la impresiones recibidas a través de la vista. Sin embargo, dado que no es posible presentar en un plano todos los aspectos visibles de un objeto, el arte del dibujo radica en la sugerencia, estimulando la imaginación del espectador para aportar lo que falta en la representación. La elección sobre qué registrar y qué omitir requiere una sensibilidad visual que se desarrolla sólo con la experiencia. Un apunte es un dibujo que sólo muestra, de forma resumida, los detalles esenciales del objeto representado. En un buen apunte, el artista no sacrifica la aproximación de su impresión visual por conseguir un terminado primoroso.

Los diferentes estilos de dibujo se distinguen por las formas en que se superan las limitaciones que impone el material monocromático con el que se trabaja. En los bosquejos, y en algunos apuntes, sólo se representan los contornos, los ángulos sobresalientes o los rasgos del objeto o escena que se representa. El arte chino y el japonés (véase Arte y arquitectura de China; Arte y arquitectura de Japón) constituyen un admirable ejemplo de la fuerza que tiene la línea pura, incluso sin color, para sugerir el más variado modelado de superficies y para recoger los detalles más minuciosos. Por otra parte, las escuelas occidentales han dado mayor importancia a los valores tonales, en la representación de las gradaciones de claro a oscuro. Los artistas europeos han procurado conseguir los efectos deseados por medio de las gradaciones correspondientes en los tonos monocromos del dibujo.

Es posible incluso sugerir, o interpretar, diferentes colores por medio del blanco y negro, representando cuidadosamente sus valores aparentes; por ejemplo, un rojo oscuro se indica con un sombreado más oscuro que el que se emplea para sugerir un azul claro o un amarillo. Los grandes artistas del renacimiento están a medio camino entre los exponentes japoneses de la línea pura y los modernos intérpretes occidentales de los valores tonales. Los dibujos de Rafael, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel son notables por su pureza, vigor y delicadeza de líneas, así como por la maestría con que representan los volúmenes a través del sombreado.

Técnica de dibujo

Los principios fundamentales del dibujo son los mismos para cualquiera de los medios empleados. Lo primero que hace el artista es observar el modelo con el que trabaja, que puede ser casi cualquier cosa, y hacer apuntes de las líneas estructurales dominantes, los contornos y las masas. Incorpora los detalles más importantes y hace las adaptaciones necesarias, dejando para el final los detalles menores. Estas diferentes etapas del dibujo requieren ligereza de trazo y seguridad en la línea.

Las técnicas de dibujo varían según el medio empleado. Durante siglos los dibujos se han hecho sobre muchas clases de superficies, desde paredes de cavernas, objetos de arcilla, yeso, papiros, pergamino, seda, tablas, bloques de piedra y láminas de metal (véase Grabado) y, especialmente, sobre papel de diferentes consistencias y tonos. Los utensilios de dibujo más comunes son el lápiz, la pluma o el pincel, y la tinta, el clarión o crayón negro o rojo y el carboncillo. La pluma es el más riguroso de todos ellos, ya que produce una señal indeleble difícil de alterar. Para expresar los colores se utilizan puntos, líneas muy apretadas y sombreado cruzado.

Los maestros del dibujo a pluma deben ser maestros de la línea pura. Tanto con el carboncillo, como con el pincel, el artista debe "pintar" sobre el papel, ya que estos medios hacen casi imposible dibujar líneas finas. El lápiz y el clarión requieren el uso de la línea, pero permiten también trazos gruesos y suaves y sombreados difuminados. Se consiguen dibujos muy reales utilizando un papel coloreado, gris o azul pálido, sobre el que se indican los toques de luz con tiza o con el pigmento llamado blanco de China; las sombras más oscuras y las masas se marcan a lápiz, dejando el tono del papel para representar los valores intermedios. Los grandes maestros del renacimiento desconocían el familiar lápiz de grafito, que es un invento del siglo XVI, y utilizaban a veces un instrumento con punta de plomo o de plata, con el que se conseguía una línea gris claro sobre pergamino o papel grueso, pero lo que más utilizaban era la tiza roja. También se dibujaba con pluma de ave hasta que ésta fue desbancada por la moderna pluma de acero.

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La Pintura Al Óleo

12/09/2009 10:14:12

Pintura al Óleo, arte de aplicar colores disueltos en aceites secantes sobre una superficie para crear un cuadro. La pintura al óleo se desarrolló en Europa a finales de la edad media y gozó de gran aceptación, por su mayor simplicidad de manejo y las posibilidades más amplias que ofrecía, en contraste con los agentes aglutinantes existentes a la sazón, como la cera de la encáustica, el huevo del temple, la goma arábiga de la acuarela y los de la pintura al fresco. La pintura al óleo se seca relativamente despacio con poca alteración del color, lo que permite igualar, mezclar o degradar los tonos y hacer correcciones con facilidad. El pintor no está limitado a las pinceladas lineales, sino que puede aplicar veladuras, aguadas, manchas, vaporizaciones o empastes (pigmentos muy espesos).

El pintor es libre de cambiar y de improvisar sin verse restringido a un dibujo preparado de antemano. El óleo permite obtener efectos de gran riqueza con el color, los contrastes tonales y el claroscuro.
Materiales y técnicas

En la actualidad, casi todos los artistas utilizan materiales comerciales, aunque quedan algunos que prefieren preparar sus propias pinturas al estilo tradicional. La pintura al óleo se compone de pigmentos molidos mezclados con un aceite que se seca al estar expuesto al aire. Los pigmentos, o polvos de color, deben ser insolubles, insensibles a la decoloración, y químicamente inertes. El aceite suele ser de linaza pero puede ser de adormidera o de nogal. A veces se añade barniz a la mezcla y luego se tritura, resultando una pasta cremosa y espesa que se envasa en tubos flexibles.

La superficie pictórica consiste en un soporte, que puede ser una tabla o un panel compuesto, o más frecuentemente, una tela de lino, algodón o yute tensada en un bastidor o encolada a una tabla. El soporte va cubierto con una preparación, hecha con una fina capa de yeso y cola o apresto. La preparación hace que el soporte sea menos absorbente y proporciona una superficie pictórica que no es ni muy áspera ni muy suave; puede ser blanca aunque generalmente se aplica encima una capa de color, que suele ser gris, castaño oscuro o rojiza.

Para pintar al óleo se procede, tradicionalmente, por etapas. En primer lugar se bosqueja el dibujo sobre la preparación a lápiz o a carboncillo, o con pintura diluida en trementina. Después se rellenan las amplias zonas de color con una pintura fluida, y se van refinando y corrigiendo sucesivamente con pintura más espesa a la que se añade óleo y barniz. Normalmente se usan pinceles de cerdas duras, aunque se pueden utilizar brochas más suaves de pelo de tejón o de marta; también se puede emplear una paleta o espátula ancha y flexible, o los dedos. Este proceso puede durar desde pocos días hasta meses o incluso años.

Una vez seca la pintura, se barniza para protegerla de la suciedad y para dar más vida a los colores. Todos los barnices terminan por oscurecerse, por lo que deben ser de fácil eliminación para volverlos a aplicar.
Historia

Antes se creía que la pintura al óleo había sido inventada por el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo XV, pero hoy se sabe que ya existía con anterioridad. Van Eyck investigó esta técnica dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en una tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes. En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la que se aprovecharon los pintores del renacimiento.

Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se conseguía una superficie mucho más grande y permitía además enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en una pintura subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras oleosas. Los pintores holandeses como Rembrandt y Frans Hals y el pintor español Diego Velázquez hicieron ensayos con la aplicación de empastes. Los artistas más ortodoxos de los siglos XVIII y XIX hacían la pintura subyacente en óleo negro y gris y después repintaban en color. Sin embargo, la gama de colores era limitada y muchos se han desvanecido. Toda la obra se llevaba a cabo en el taller.

Los avances de la química proporcionaron nuevos y brillantes pigmentos en el siglo XIX. La invención de los tubos plegables, que venían a sustituir a las bolsitas de tripa de carnero donde se guardaban los pigmentos hasta entonces, permitió a los pintores trabajar al aire libre copiando directamente de la naturaleza. Los aditivos químicos, que mantenían la pintura fresca, hicieron posible que se hiciera un mayor uso de los empastes.

La pintura subyacente desapareció prácticamente. Los impresionistas franceses aplicaban, directamente sobre el lienzo, una gran cantidad de pequeñas pinceladas de colores brillantes. Con el desarrollo de la pintura no figurativa en el siglo XX, los pintores han experimentado con nuevas técnicas, aumentando las texturas con arena, ceniza o escayola, manchando los lienzos y trabajando con pinturas comerciales y con aerosoles; también han combinado la pintura con fotografías y material impreso para formar collages. La versatilidad de la pintura al óleo ha hecho de ella el mejor medio de expresión para el artista del siglo XX; sin embargo, desde la década de 1960 son muchos los pintores que consideran que la pintura acrílica se ajusta mejor a sus necesidades.

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Exposción en el Borges

01/08/2009 20:42:28

Contemporáneo C.C.Borges
Ciclo curadores 1,2,3


Cátedra

Pinturas

Una muestra donde los artistas originalmente han sido iniciados en el camino de la pintura y en el devenir de la libre experimentación encontraron personales, sutiles y excitantes aproximaciones a la problemática pictórica. Los participantes comparten el haber sido alumnos de la materia Proyectual de Pintura, Cátedra Carlos Bissolino, IUNA.
Andrés Aizicovich, Gala Berger, Cotelito, Matías Dinenzon, Lino Divas, Nicolás Gullota, Itamar Hartavi, Muriel Kraljevich Chadwick, Cristian Lopez Rey, Gimena Macri, Luciana Malfatti, Rodolfo Marques, Pablo Montivero, Delfina Moore, Ramiro Oller, Nicolás Ozuna, Juan Reos, Lucía Sornas, Rosario Zorraquín, Freddy Borges.
El sábado 15 de agosto será un día de charlas y discusiones acerca de la pintura y la pedagogía.

Curadora invitada: Florencia Braga Menéndez

Inauguración: 4/8 Cierre: 28/8
Mas información en el C.C.Borges

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Concurso de Pintura Encuentrarte

01/08/2009 20:05:47

“HACIA EL BICENTENARIO”

Este concurso está auspiciado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Num.1321/09

Se convoca a artistas plásticos y amateurs a participar con una o dos obras.

No se cobra matricula de inscripción. Se pide un material para dibujo y/o pintura. (Un pincel, un acrílico, un oleo….o cualquier otro artículo). Los mismos formaran parte de los premios que recibirán los ganadores.

Las obras se recibirán desde el lunes 3 hasta el viernes 14 de agosto, todos los días hábiles en Av. Corrientes 2565 5ª 5  de 10 a 16 hs.

El  martes 18 de agosto el jurado hará la selección y a las 19hs se entregaran los premios y se inaugurará la muestra allí mismo.

El tema y la técnica son libres, pudiendo utilizarse bastidor, cartón entelado, papel, etc.,  y las medidas son desde (lado menor) un mínimo de 30cm., hasta (lado mayor) un máximo de 100 cm.

Se entregarán  certificados de participación.

Las obras premiadas serán expuestas hasta el 31/08/09,

Vencido el plazo los autores podrán retirarlas.

En mayo del 2010 todos los artistas premiados en cada edición, realizarán una muestra conjunta.

La participación implica la aceptación de este reglamento. Lo que no esté previsto será resuelto por el convocante, previa consulta con la coordinadora (Silvia Ariza) y cuando menos a dos miembros del jurado.

EL CLUB DEL DUENDE

Consultas al 011- 4958-3136

Contacto: ariza_silvia@yahoo.com.ar
www.elclubdelduende.com.ar/

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Aida Carballo

22/07/2009 00:32:57

     Desde el 18 de junio hasta el 22 de agosto, el Espacio de Arte de la Fundación OSDE presenta la exposición de Aída Carballo (1916-1985). Entre el sueño y la realidad, en la que se exhibirán más de 90 obras de la artista. Grabados, dibujos, ilustraciones, pinturas, cerámicas conforman esta muestra que permite conocer las múltiples facetas de una de las figuras claves del arte argentino.

     La intención de la muestra es transitar el mundo de Aída a través de su legado tanto plástico como literario, desde sus series más emblemáticas, pasando por sus obras premiadas y recorriendo las distintas disciplinas artísticas en las que exploró. Grabados, dibujos, ilustraciones, pinturas, cerámicas la conforman permitiéndonos conocer las múltiples facetas creativas de esta artista, quien ha sido considerada por la crítica como la mejor y más cotizada grabadora argentina, ganadora de varias distinciones, entre ellas, el Premio Facio Hebequer 1977, máxima distinción otorgada por la Academia Nacional de Bellas Artes.

Aida Carballo

La muestra se puede visitar de lunes a sábados de 12 a 20 hs. en Suipacha 658,1er piso, Buenos Aires.
Acompañando la muestra se desarrollarán diversas actividades como talleres, mesas redondas y visitas guiadas con la curadora.

Mas información en:

http://www.artefundacionosde.com.ar


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Mundos para mirar.

14/07/2009 00:12:09

No dejes de mirar estos mundos:

No te pierdas este paseo para grandes y chicos: el espacio de arte de la Fundación Osde organiza la muestra “Mundos para mirar“, la ilustración en los libros para niños. Cincuenta y siete ilustradores argentinos expondrán los originales de sus creaciones, que han acompañado de manera magistral muchos textos que seguramente has leído o tenés en algún libro de tu biblioteca.

Según dicen en el sitio de la Fundación (http://www.artefundacionosde.com.ar/bs-as/index.html) “los adultos que nos visitan pueden disfrutar a su modo de la muestra y, en relación a los niños, jugar un papel fundamental: mirar con ellos, escuchar sus comentarios, sorprenderse con sus elecciones y también leerles algunos de los cuentos y poemas“. Por supuesto que entre tanto talento no podía faltar el maestro Poly Bernatene quien, como Gardel pero en lo suyo, cada día ilustra mejor.

La muestra se inagura este jueves 18 de junio a las 19hs y estará abierta hasta el 22 de agosto en Suipacha 658, primer piso, de lunes a sábados de 12 a 20.

Son pocas las oportunidades de ver algo así, no dejes de ir.


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